杨佴旻：中国画，要有光

《春色满园》138x69cm2012

《拒马河》 68x68cm 纸本设色2016

《假日》45.5X59.5cm纸本设色1997

《小芳》40X32.5cm 纸本设色2002

       2010年后，杨佴旻倾注了很多情感去描绘故乡的太行山，那山，是彩色的，是挺立的，是翻腾的，是伴着晨曦醒来、伴着月光入梦的。他笔下的太行山系列取得了巨大的成功。
　　他笔下的色调愈发明艳，《远方》海湾的水有着圣洁神秘的如谜之蓝。
　　他笔下的景物愈发抽象，《有花的街上》分明是江南，红绿黑蓝大大小小的色块就把多雨春天的街巷描摹出来了，有一株花树不甘寂寞，探出了具象的花枝。

《有花的街上》纸本设色 2018年作

　　2019年，杨佴旻经历了一个最美好的夏天，他的创作又一次成功转型，从现代阶段步入了当代。《大鸟》已与昔日创作的同样题材的《白鸟》显著不同。《杰夫·昆斯》似乎是难以复制的神来之笔。《路易·圣莱克艺术和历史博物馆造像》被博物馆方追问是如何创作出来的。《我们从这里来?》是一幅观念性作品，与高更的《我们从哪里来》遥相呼应，五联画面集山水、人物、花卉等题材于一体，左二和右二分别借鉴了高更的《幸福》、梵高的《向日葵》，中间描绘了80多岁的画家齐白石的家庭肖像。这是他对中西方艺术大师的致敬，也彰显了他的艺术观点：真正的艺术应该是跨越东西方的，是属于世界的。

《鹦鹉》 136×68cm 2019年

　　毕加索的一生经历了“蓝色”时期、“玫瑰”时期、立体主义时期等多个创作阶段，创作出七万多件作品，成就了20世纪最高产的伟大艺术家。杨佴旻也无法重复自己，他厌恶重复，他不可以停滞，他需要在宣纸上不停地实验和创作出更新的作品，他的探索没有终点。
　　他的高度
　　艺术无止境。
　　杨佴旻以中国画颜料和宣纸为载体，运用出神入化的“杨氏”笔墨技法，致力于创建新的艺术高度。
　　艺术亦无定式。
　　杨佴旻不光从《芥子园》、齐白石那里吸收本土营养，还放眼世界寻找艺术资粮，从日本、从美洲、从欧陆，从传统、从现代以及从当代世界的艺术形式中寻觅。他刻版画，画油画，做雕塑，做装置，做行为艺术，反过来又哺育着自己的中国水墨画创作。
　　2020年，有一家西方媒体评价说，他们在杨佴旻的早期画作中发现了与纳比画派的某种关系。事实上，杨佴旻非常喜欢高更，纳比画派正是在高更的影响下形成的。他还推崇毕加索是“最伟大的艺术家”，赞美萨尔瓦多·达利“那极尽造作的天才之作”，称颂梵高“你已是天上的太阳”。他很早便介绍荒木经惟，对话草间弥生，关注杰夫·昆斯等人。
　　“毫无疑问，一个艺术家理解他以前或是同时代的所有艺术形式是有益的……不过，他必须注意别去寻求模型。”毕加索曾警示说。
　　谭平先生评价杨佴旻的作品是“四不像，然而这个四不像却是作为艺术家的一生追求”。刘伟冬进一步阐释道：“在杨佴旻的作品中很少会看到典型的传统模本，也没有西方的经典范式。他拒绝那种补充式的借用和挪移，对所谓中西融合的主张和实践也保持审慎的态度。”
　　的确，在艺术创作上，杨佴旻可谓一个轻松的跨界者，又是个自如的穿越者，他似乎具有一种能力，“将一切既有的成果，无论是东方的还是西方的艺术遗产化整为零，在元素的层级上将它们重新组合，打造出了一个崭新的魔幻般的色彩天地。所以，他绘画作品的审美趣味和审美意象既是东方的，也是世界的。”
　　皮道坚先生曾评价说：“杨佴旻是一位集大成的美术家。在中国美术史上，吴道子就是一个集大成的画家，他把前代所有的艺术语言、表现技法的创造都成功地结合起来;在我看来，杨佴旻不仅限于东方绘画，他是一个集‘东西方绘画’于大成的艺术家。他是在外来文化对中国文化的影响下，这样一个特定的历史时期才能出现，他非常自由地穿行在东西方文化之间。”
　　杨佴旻比吴道子更幸运，因为他生在这个时代，可以游走于东西方，汲取全世界的艺术养分。
　　他的鲜花
　　2020年，巴黎凤凰书店发表的法国批评家伊洛迪(Elodie)的一篇评论中用了“grand”(伟大)一词评价杨佴旻。英国历史学家迈克尔·伍德在追寻杜甫的足迹时，将纪录片标题拟定为“Du Fu: China’s Greatest Poet”(杜甫：最伟大的中国诗人)。且不论评价维度为何，这均是来自西方世界的真诚认可。
　　同年，巴黎路易·圣莱克艺术和历史博物馆举办“重返色彩——杨佴旻的风景展”，展期自2020年9月19日至2021年2月14日，这是中国画在欧洲博物馆里展览时间最长的一次，受到法国和西班牙文化部门的热烈祝贺。“他的创作是极具个性化的，通过他的作品，我们知道他是真正的艺术家。”博物馆馆长卡罗琳·奥利维拉如是说，并对杨佴旻的色彩运用表达了高度赞叹，“绚烂的色彩彰显出极大的柔和度，他用传统中国画的颜料，融合了单纯的墨色，从而有助于更加丰富地表现世界的生动与和谐。”
　　2019年，作为世界十大博物馆之首的梵蒂冈博物馆，收藏了杨佴旻的作品《远方》;巴黎独木舟出版社出版了研究他的专著《论优雅》(玛丽·克里斯蒂娜著)，该社也出版过赵无极和吴冠中先生的作品。
　　此外，多年来，杨佴旻还收获了许多头衔和职务：法国“荣誉爵士十字勋章”、沃尔维克市“荣誉市民”、胡润艺术榜“少壮派国宝艺术家”、文学博士、研究员、教授、欧亚文化组织主席……
　　杨佴旻是幸运的。他不必像梵高那样，“总有一天，人们会认识到，我的画的价值会高于画中所用颜料的价值”。他也不必像高更那样，“正是因为知道自己的伟大，所以才能够忍受贫穷和苦难”。杨佴旻在艺术品拍卖市场上有着极佳的成交纪录。
　　然而，杨佴旻又是孤独的。因为当前中国画创作整体上仍然处在传统的范式里，他开创的全新中国画一派几近于孤军奋战。但杨佴旻的姿态是傲然的，他走得步伐太快，超越了人们对中国画的已有认知，他的价值并没有得到充分地肯定——悖论是，这种缺乏，进一步彰显出了他的无限潜力和空间。
　　他的使命
　　千百年以降，中国画创作总是处在似与不似之间，即使是追求具象的工笔画也以平面为主，几乎从不运用现实存在的立体、透视等技法。
　　杨佴旻打破了这一传统，他认为“把过去的形式总结归纳了来限制今天和以后的发展，那是画地为牢”。2020年初，他创作了《巴黎圣母院》系列，画面效果令人“惊艳”。近期，他创作的“要有光”系列，是将写实的光影带入中国水墨画世界中来。他说：“中国绘画一直以来都是在似与不似中做探索，缺乏真正的写实和抽象”。
 

《世界遗产之巴黎圣母院(一)》 宣纸、墨、国画色 97cmx180cm 2020年

《世界文化遗产之雅典卫城》 宣纸、墨、国画色 97x180cm 2020年

《世界遗产之——布达拉宫》 68x136cm 2020

《世界文化遗产系列》 169.7×94cm 2020

   　杨佴旻的创作目标很明确：一是致力于解决中国画从未解决的难题，譬如写实;二是用作品来续写中国美术史。他坚信“水墨画必须突围到经验认为不能到达的地方，这是艺术的意义，伟大也在于此”。
　　杨佴旻从不掩饰自己对技法的迷恋。宣纸是他的实验田，他做着各种尝试，已经形成了自己的一套全面系统的新技法。他认为如果固守着旧有的中国画技法，无异于停留在农耕文明时代用牛犁地，只有新思想新技法才能真正地让中国画走入现代走进当代。他正在撰写自己的中国绘画教程。
　　杨佴旻行走世界，致力于传播中国艺术。他认为，“到了现代，艺术的评判标准应该建立在世界的评判标准之上。现代中国的东西也是世界的”。在回应西方媒体说他“在做一项以色彩水墨取代油画的工程”时，他认为那纯属笑谈，自己并无此意，任何对立论在这个时代都显得很荒谬。他认为美是跨越国界的、不分东西方的。他要为水墨画在现当代世界美术史上争得一席之地，他要给世界的眼睛多一双欣赏的图式，给世界绘画多一片弥散着东方韵致的美。
　　张越女士曾调侃说：“中产阶级妇女一定都喜欢你的画，因为色彩又美又温柔。”事实上，杨佴旻的画折射着整个时代的变迁。中国画该往何处去?“东方意蕴”“现在的中国”“通向东方的路”“色彩之谜”“重返色彩”“继往开来”“走向现代”“走向未来”，他的展览主题就是答案。中国画在墨色的隧道里行走了千年，他却说“要有光”。的确，隧道的尽头是光，是中国画的绚丽色彩。

《要有光系列——葵园》 68x136cm2020

《要有光系列之—花》 75.8×67.7cm 2020

《要有光系列之—花》94×173cm 2020

《要有光系列之—花 》 75.8×67.7cm 2020

冬 2019 138x69cm

　　他的史诗
　　生命是一条波澜壮阔的大河，每个人都是浪花一朵。写到这里，笔者不禁想，一个人可以有多大力量，去推动着一个新时代的到来?
　　杨佴旻在赞美故土的长诗《太行灵山》的结尾处写道“饮太行山的水——我追逐太阳”，这几乎是他生命的注脚啊，一种夸父逐日般的理想主义，一曲个人英雄主义的史诗。
　　杨佴旻是幸运的，因为他可以用一生的时间去穿越和汲取几代人、上百年走过的现当代艺术历程。他又是困顿的，因为他把中国画往前推进得太多、太远，超前了太多人的认知。
　　大变革大发展的时代，中国人经历了生活水平数十倍乃至近百倍的提高，我们快速地使用各种应用软件，我们乐于尝试，敞开接纳。整个社会在快节奏地适应各种涌现的新事物，希望这种接纳速度也能折射到文化上、审美上和中国绘画上，希望这一天来得更早一些更快一些!
　　杨佴旻人如其名，“佴”是一个善于聆听吸纳的人，“旻”是秋日长空，他内敛、温和，看似天高云淡，实则坚韧不拔。
（任月亮）